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The Hobbit: An Unexpected Journey

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Le entré a la versión hypeada de The Hobbit: An Unexpected Journey de Peter Jackson, con la dicha de recordar muy poco del libro original, de hecho, solo las generalidades: el rechoncho Bilbo Bolsón se une a una banda de enanos en una cruzada para recuperar un reino montañés que ha sido desolado por un dragón, el hijuepú Smaug. Creo que la razón del olvido es que en mi adolescencia fui muy fan de El señor de los anillos, pero no tan fan de El hobbit.

Esto no quiere decir que cuando old Bilbo (Ian Holm) dice la línea inmortal “en un agujero en el suelo vivía un hobbit” no se me haya puesto la piel de gallina. Esa frase está incrustada en nuestra cultura de una manera excepcional: a la distancia de 75 años de la primera publicación de El hobbit, queda claro que J.R.R. Tolkien consolidó (involuntariamente) el género de la fantasía —en mi opinión, una rama del fanatismo nerdigeek más pulida y fina que la ciencia ficción— y puso los cimientos para una subcultura, un legendarium complejísimo que obsesionó a millones y produjo cientos de entramados como Harry Potter o Dungeons & Dragons.

Tolkien escribió un libro sobre duendes y dragones echando mano de elementos mitológicos que vienen por default en nuestra psique. En la contratapa de la edición de Minotauro a El señor de los anillos, el propio autor lo explica: “Historias semejantes no nacen de la observación de las hojas de los árboles ni de la botánica o la ciencia del suelo; crecen como semillas en la oscuridad, alimentándose del humus de la mente: todo lo que se ha visto o pensado o leído, y que fue olvidado hace tiempo”. O lo que es lo mismo: símbolos y personajes literarios remixados en la mente de un profesor sudafricano de filología. El setting fantástico tolkeniano tiene que ver con su amor por las palabras, con su amor por el griego, el latín y las lenguas escandinavas y anglosajonas. Nada mejor que la Tierra Media para que el buen profesor Tolkien debrayara con la casa real de los Númenor y las andanzas de los medianos de la Comarca. Tolkien primero inventó las palabras, y luego todo lo demás.

En los setenta, el Concise Oxford Dictionary agregó a su edición la palabra hobbit, que se define como “one of an imaginary race of half-sized persons in stories by J.R.R. Tolkien — invented by Tolkien in his book The Hobbit, and said by him to mean ‘hole-dweller’”. El hobbit ha vendido al menos 35 millones de copias (aunque unas recientes cartas del autor revelan que las ventas inicialmente no fueron muy buenas) y la Wikipedia enumera 87 traducciones diferentes. 

El hobbit es sagrado, amado y respetado. Y ese mismo volumen, con una extensión de unas 300 páginas que tienen menos la forma de una novela y más la de un brevísimo serial de aventuras cuyo pretexto es el reclamo del tesoro apañado por Smaug —su muerte en el libro ni siquiera es el episodio climático—, ahora recibe el tratamiento de la trilogía en tres navidades consecutivas. ¿Cuál es la ventaja? Peter Jackson es el hombre indicado para hacer el trabajo. ¿Qué esperar? Dos palabras: “Reacciones mixtas”.

Con una primera cinta (de tres) que dura 2 horas con 50 minutos, las primeras críticas han girado en torno al alargamiento del libro original. ¿En verdad es necesario lanzar tres filmes que en conjunto duran casi 9 horas? Si eres la cabeza de marketing de New Line Cinema y ves una oportunidad para hypear tres navidades al hilo… tiene sentido. Según cuentan, Peter Jackson se vio en serios problemas con la entrega del filme para salir en diciembre: la mano dura del marketing y las realidades del negocio del cine, ni hablar. También he leído a quienes se quejan de “los malos” efectos visuales, o de que “esto ya no es cine, sino puro videojuego” por el exceso de CGI. Otro cúmulo de críticas van hacia la médula de la historia: se ha dicho que El hobbit de Jackson no es la aventura de un héroe improbable (chaparro, bohemio y bonachón), sino solo otro espectáculo hollywoodense decadente.

Sobre las dos primeras quejas (el lanzamiento apresurado por decisiones de negocios y los VFX), me temo que no estoy de acuerdo; sobre la tercera, bueno, respetaré al conocedor y al fan, pero debo decir, retomando el principio del post, que yo llegué poco hypeado y poco informado a ver este Unexpected Journey, y para mí la experiencia fue muy buena. Young Bilbo (Martin Freeman) es más cálido pero a la vez menos homoerótico que aquellos filthy-little-hobbitses de LOTR, los enanos son una compañía agradable de desmadrosos, y el fan-service incluye cameos de Galadriel, Saruman y Elrond pre-LOTR (con los actores originales), los ya clásicos temas musicales de Howard Shore, la aparición y logradísima escena de Gollum y el anillo, el encantador carácter unidimensional de Azog el trasgo, el cinismo del Gran Trasgo Papadón… no pueden negar que es un espectáculo ligero pero maravilloso. Y también decadente, por qué no.

Vuelvo a los fans: respeto y entiendo esa sensación inconclusa con El hobbit. A su favor debo decir que ahora no se siente ese estremecimiento como con La comunidad del anillo, esa excitación de estar viendo algo histórico, la fókin trilogía sagrada de Tolkien cobrando vida en el cine… lo cierto es que ya no es el año 2001, y ya no somos unos turistas en la Tierra Media. Peter Jackson ha regresado a sitios familiares para adaptar un material original de Tolkien, pero ahora lo acechan los fantasmas del marketing y de sus éxitos previos. Difícilmente El hobbit será la feria de premios Oscar como sucedió con LOTR, prueba de ello es que el encuentro con reseñistas no resultó muy positivo para Jackson (alcanzó apenas 65% de frescura en Rotten Tomatoes). ¿Si los fans, además, cuestionan su adaptación, que nos queda para las siguientes dos películas?

Yo digo que echarnos un poco para atrás y disfrutar. Nuestra generación vio a Tolkien adaptado en el cine de manera por demás exitosa. Ello ya debería ser suficiente acción de gracias.

Tony Scott, 1944-2012

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Es raro cuando muere un famoso. Y es que nos sentimos algo tristes, aunque sea alguien completamente desconocido a nivel personal, con quien nunca tuvimos siquiera una conversación informal o algo. Pero lo conocemos porque conocemos su trabajo, su obra. Los meses pasados estuvieron sacudidos por muertes de escritores eminentes, las cuales a mi me dejaron cierta sensación de pérdida, cierta tristeza atemporal y ciertas ganas de escuchar a Francois Hardy. Ayer por la mañana me entere de la muerte de Tony Scott, director de cine conocido por sus películas de acción y por ser el hermano menor de Sir Ridley Scott, a cuya sombra siempre pareció estar.

La aparente causa de la muerte es suicidio. Alrededor de las 12:30 horas del domingo, un testigo vio al director británico saltar del puente Vincent Thomas en el condado de Los Angeles. Había dejado una nota con sus datos personales y los números para contactar a su familia en el interior de su auto. Aparentemente, una nota de despedida dirigida a su familia fue encontrada en su oficina.

Al parecer la noticia fue una sorpresa dentro del círculo de personas que conocían a Scott en la industria y en su vida personal. He leído noticias que hablan sobre lo alegre que siempre parecía estar, sobre lo entusiasta para con su trabajo y lo amoroso para con su familia. Pero esas son cosas que no nos competen a nosotros. Los tormentos personales son cosas que no sabemos y que no creo que tengamos derecho a saber. El suicidio es una decisión privada. Solo él lo sabía y solo su familia puede exigir una explicación. Para nosotros solo es la trágica muerte de alguien que tenia el mejor trabajo del mundo, cuyo nombre vimos en los créditos, en una pantalla de cine, antes de iniciar una película. O al terminar.

Tony Scott nunca será recordado por haber dirigido grandes dramas, películas conmovedoras y emocionales. U obras maestras, para el caso. El dirigía acción y, dicho sea de paso, era bueno para hacerlo. Cierto que no he visto las 24 películas que hizo, pero las que sí (la mayoría) eran en general entretenidas, divertidas y casi siempre generaban buenos ingresos en taquilla. Claro que, como todos, tuvo películas terribles. Pero bueno. Top Gun es posiblemente su película más conocida, que quizá no haya envejecido tan bien, pero que todos vimos cuando niños, en la tele, en canal 5, y que nos encantó en ese momento. Days of Thunder aún es buena para un sábado por la tarde. Man on Fire es una basura, pero tengo fotos de la filmación en el DF. Y Domino también es malísima, pero la vi en DVD con una persona muy especial y eso la rescata.

Claro, sus dos mejores películas ever fueron True Romance y The Hunger. Ambas en mi colección. La primera, escrita por Tarantino, divertida y con escenas memorables, un buen soundtrack y una Patricia Arquette de la que me enamoré, fue una de las primeras películas que vi en la hoy desparecida Cineteca Nacional. Ahí también vi, más tarde, The Hunger. Y me voló la tapa de los sesos. Una de las pocas películas de vampiros que existen que de hecho son buenas.

Pero bueno, Tony Scott nunca fue el gran director que el mundo esperaba. Y supongo que él lo sabía, por lo que se explica la naturaleza del grueso de su filmografía, la cual palidece si la comparamos con la de su hermano, llena de clásicos atemporales y obras maestras. Tony Scott nunca fue nominado para un Oscar y quizá nunca lo mereció, a menudo los críticos eran crueles con él, pero bueno, ¿quién le hace caso a los críticos? Tony Scott era el hermano menor, quizá con menos talento, siempre en segundo plano. Los que somos hermanos menores conocemos el sentimiento. Al final Tony Scott metió fortunas incalculables en las taquillas, trabajó con las estrellas del momento en Hollywood y más que nada era respetado por sus colegas, quienes sabían lo difícil que en realidad eran sus proyectos y la habilidad que se necesitaba para llevarlos a buen puerto.

La noticia de la muerte de Tony Scott quizá no cimbre al mundo ni nos suma a todos en un luto colectivo, pero personalmente tengo que decir que yo si la lamento. Sus películas me han dado buenos momentos y serán recordadas. El legado permanece, la obra. Por la cual nosotros lo conocimos. Por la cual lo recordaremos.

Descanse en paz.

The Dark Knight Rises

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The Dark Knight Rises toma lugar 8 años después de su predecesora, aunque en el mundo real solo hayan pasado 4 años desde The Dark Knight, pero bueno. La Gotham City de TDKR es una Gotham en la que Batman ha estado desaparecido por los últimos 8 años, donde nadie ha visto en persona al excéntrico y freaky millonario Bruce Wayne en público por… un tiempo similar, donde se celebra el Día de Harvey Dent y donde, al parecer, no hay crimen organizado. Y es ahí donde un tipo como Bane, calibre luchador de la WWE, máscara de asmático y voz ronquita y algo, ejem, graciosa, puede llegar simplemente a estrangular infelices y volar todo con una bomba atómica de última generación. ¿Por qué? Bueh, quizá se levantó de malas o algo.

Como sea, la premisa de TDKR nos lanza de lleno al pedo, sin preparativos (excepto por el prólogo que vimos antes de Ghost Protocol. En Gotham ya no hay Batman y ya no hay mafia y los políticos están desesperados por darle cuello al comisionado Gordon, quién por cierto, divorciado y sin ilusiones, probablemente se siente todo el tiempo como se ve en la mayor parte de la película. Y ya es mucho decir. Como sea, Bruce Wayne ha estado recluido en su mansión por tanto tiempo que ya hasta se han inventado leyendas urbanas sobre él, resistiendo los intentos de seducción de las caritas cumshoteras de su consejo empresarial y todo. Ah, y contratando chachas que se parecen a Anne Hathaway. Como sea, es la tal chacha la que lo saca un poco de su reclusión y la que le dice que una tormenta se aproxima. Y la tormenta tiene la forma de un mercenario bien mamado, con chamarra de borrega, quién al parecer la tomó con Gotham nomas porque sí.

Las películas de Nolan tienen ya cierto toque característico. Y creo que son tan traicioneras como muchos de sus personajes femeninos. Tienen un ritmo parco, lento, casi exasperante, pero a la vez pasan muchas cosas sin que se les den su tiempo necesario. Son violentas, pero solo en apariencia: nunca hay asesinatos en primer plano, hay muy poca sangre y tal. Además, creo que ya es una mala costumbre esperar un giro de turca en el momento climático, lo cual no está mal cuando se usa con sabiduría, pero que, al menos en esta película, demuestra ser una poderosa arma de doble filo. Sí, odié que al final Bane resultara ser solo el chalan mamado de la loca hija de Liam Neeson. Y es que aquello del tipo nacido y criado en el peor hoyo del infierno es algo que me había encantado del cómic. Pero bueno, dejando eso del lado, Bane, por sí solo, tampoco tiene mucho sentido. Dando discursos liberales o algo con su voz ronquita y más graciosa de lo que debería, haciendo de Gotham una utopía en la que los pobres se mean sobre los ricos, volando puentes y estadios de futbol. ¿Qué pedo con Bane?

No sé, quizá soy yo. Quizá el recuerdo del Joker de la pasada cinta todavía es fuerte. Y es que aquél si era un hijo de puta que solo quería ver el mundo arder. Bane se la pasa de orador, mercenario, matón, asaltante-de-la-bolsa-de-valores y terrorista. Nunca hay un motivo real o una total falta de uno. Y sí, al final resulta que todo lo hizo por amor. O algo así.

No mamen.

Pero bueno, Bane no es, en realidad, un gran pecado en la cinta. La verdad es que TDKR no tiene caídas estrepitosas. Y es que aunque  no emociona en extremo en ningún momento, más que en el ocasional:”órale” sin signos de exclamación, mantiene una calidad aceptable y tiene alguno que otro momento conmovedor que valen el boleto. Además de las grandiosas explosiones. Como sea, esta película, a diferencia de la anterior, busca concentrarse completamente en el héroe: su caída y su resurrección. Así es: rises. Por tanto, el peso de todo cae sobre los hombros de Christian Bale, quién dicho sea de paso, da su mejor actuación de toda la serie. Bruce Wayne pierde su fortuna, la CFE gringa no se anda con mamadas y le corta la luz esa misma tarde, pierde a Alfred (en una escena bastante buena, hay que decirlo), una clase de veterano de Raw idealista le parte su madre, termina en la peor cárcel del mundo y solo falta que lo mee un perro (escena que seguro veremos en los extras del rayo azul). El tipo se ve vulnerable, humano. Al fin.

El cast, como en toda la saga, cumple cabalmente: Michael Caine, Morgan Freeman, Gary Oldman; todos dando trabajo de calidad. Y aquí vienen las nuevas adquisiciones. Creo que mucho se ha escrito ya sobre la Catwoman de Hathaway. En muchas cosas me gustó su personaje: el arquetipo del villano desesperado por limpiar su pasado y comenzar de nuevo, cual personaje de John Ford. Lo malo es que esta Gatúbela no le agrega nada a ese imaginario, no tiene ningún gran momento, solo líneas predecible y actos predecibles. Esta nueva Selina luce forzada cuando se ve sexy, nunca nos da una idea de lo badass que puede llegar a ser, su exageración en ciertas escenas no cuadra con la atmósfera general de la cinta y no cuenta con el background con el que han construido los demás personajes (incluido el propio Bane o el Joker). Pero supongo que no todo es culpa de la querida Anne: uno se las arregla con lo que le toca y a leguas se nota que el guión no tenía mucho para su personaje. Lo cual es extraño.

Pero bueno, Marion Cotillard luce hermosa como siempre. Y bien loca, como en Inception. Su personaje me pareció decepcionante, quizá porque es el que origina aquél momento pendejamente sobreactuado en el que revela su verdadera identidad y su malvado plan, cual villana de caricatura de un sábado por la mañana. ¿Hay mucho problema en salvar a Bane, inmovilizar a Batman y solo salir a partir madres? Supongo que sí. Hay que agregar el speach, mi lic. Su personaje (ya ni me acuerdo del nombre) tiene momentos, pero para nada es una gran villana. Ni siquiera una villana regular. Bane es mejor y eso ya es mucho decir.

Y es que Bane no está del todo mal, pero creo que le hace falta un momento memorable, un miserable one-liner del que nos acordemos al salir de la sala. Creo que los hermanos Nolan la volvieron a hacer: al fortalecer a un personaje, dejaron a la deriva al antagonista. En The Dark Knight hicieron del Joker un villano grandioso, que soltaba frases memorables a diestra y siniestra y con tal impacto como disparos de una Colt Desert Eagle calibre .50, pero dejando a la buena de dios a su héroe. Aquí fue todo lo contrario, aunque en una menor escala (ni Batman tiene momentos sumamente grandiosos ni Bane tiene mucho chiste, aunque es visiblemente menos que el héroe). Y ya que hablamos de los Nolan, ¿qué pedo con sus escenas de acción? Ninguna golpiza buena, ninguna secuencia paralizante. Cierto, las explosiones son geniales, ¿pero los madrazos qué? Y eso que hay material: Bane es un hijo de puta entrenado y expulsado por la Liga de las Sombras. Un oponente digno para Batman. Pero no. En la primera golpiza, predecible, en la que Bane gana, no hay ningún golpe doloroso, como los de Spidy de Raimi. Incluso cuando le zafa una vértebra (que no lo deja paralítico) no sentimos nada. No hay emoción.

Y en la madriza final, bueno… de haber sabido que esas máscaras para asmáticos se pueden descomponer tan fácil. Háganme el xodido favor.

Bane es un villano que parece lleno de posibilidades, pero que al final termina siendo tan simplón como nos imaginamos que sería un wey mamado y psicópata. Otra vez, no creo que toda la culpa sea de Tom Hardy, quién de hecho creo que lo hace relativamente bien considerando que unas una máscara durante casi toda la película. Creo, otra vez, que el guión lo dejo abandonado. Y es una lástima, la verdad. Aunque al menos tuvo algo bueno: en la mente de los panistas y priístas, Bane es el equivalente cinematográfico del Peje. Ya está, pues, en nuestra cultura.

Como sea, TDKR es una película buena, a secas. Visualmente es fantástica y tiene un score memorable, además de servir para lo que sirve la última parte de una trilogía: terminar. TDKR termina la saga como lo merecía: a los tumbos, pero cumpliendo. Y es que así ha sido la reinvención del personaje en las manos del venerado cineasta británico. La primera parte fue aburridísima, la segunda fue la mejor de todas y la tercera pues es solo la tercera. No sé ustedes, pero yo esperaba algo más. Esperaba emocionarme más o algo. Esperaba que Bane, si no condenaba a Batman a una silla de ruedas, por lo menos le pusiera una partida de madre de la que todos nos acordáramos, que hasta a nosotros nos doliera. Esperaba una escena que me hiciera un nudo en el estómago como aquella en la que Rachel muere. Esperaba más.

Pero bueno, ese soy yo. Alguien que solo quiere ver madrazos y que no entiende al Sergio Leone o a Kurosawa.

Y es que al final de día se trata de una película de superhéroes estrenada en el verano. Digo, ¿no debería ser un poco divertida? ¿No debería tener un poquito de corazón, al menos? Si lo tuviera, el humor y el corazón, sería mejor y nadie se quejaría. Pero bueno, Nolan se ha colocado ahora como un director clase A, un tipo que ha demostrado saber manejar grandes presupuestos, grandes expectativas y grandes cast. Pero que no sabe dirigir acción. Cosa bastante rara, pero cosas más raras hay en la industria, créanme. La saga de este Hombre Murciélago que ha creado no es, para nada, mi saga favorita de superhéroes, pero hay que concederle que es la más regular de todas. Nunca hay una estrepitosa caída, como en Spidy 3 o X-Men 3. Sin embargo, creo que les faltan muchas cosas para llegar a la excelencia que los fans proclaman. Están llenas de errores y estos son errores casi infantiles, que quizá se incrementa al calor de lo despectivo, pero que existen. Ahí están, para los que los quieran ver.

Como sea, creo que es igual de justos decir que Christopher Nolan cumplió. Su Saga de Batman quizá ya borró a aquella que inició Burton al final de los ochenta y que se fue desarmando en manos de otros directores, cual motoneta china. Pero creo que las cintas están un mucho sobrevaluadas. Pero, como les digo, ese soy yo. Alguien a quién le emociono el momento en el que Batman se aleja en el horizonte con la bomba y que ésta explota. Alguien a quién le encantó el final de Joseph Gordon-Levitt entrando a la bati-cueva, pero que la escena de Florencia solo le pareció un epílogo gratuito, sin mucho sentido. Alguien que agradeció ver ahí a Cilliam Murphy. Alguien que fue fan de ese momento en el que Gordon se da cuenta de la verdadera identidad de Batman. Esos son de los momentos en los que debería basarse la saga entera, creo yo, pero lamentablemente no es así.

Igual ya se acabó Batman. Y The Avergers sigue siendo mi película favorita de este verano. Así las cosas.

ParaNorman

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ParaNorman es la nueva película del estudio Laika, responsable de esa joya llamada Coraline y que, como en aquella, esta vez presentan una historia infantil con un trasfondo oscuro y lecturas que podrían llegar a ser demasiado densas para los chiquillos a los que son destinadas. Pero, digo, podrían. La verdad sea dicha, ParaNorman es divertidísima.

Claro que tiene una historia sólida, quizá compleja si le ponemos atención, pero es fácil de seguir y no se desvía a lo largo de los 90 disfrutables minutos de la función. Norman es un niño retraído, geek de las cintas de zombies y que, además, puede ver y hablar con los muertos. Y si algo nos ha enseñado Medium es que una persona con dicho don suele sufrir de incomprensión y escarnio público y tal. Norman es visto por todos como un freak y es victima del bully local. Pero, de repente, uno de los muertos le advierte sobre un desastre que se cierne sobre su pueblo. Una catástrofe producida por una maldición antigua lanzada por una bruja. Y sí, solo él puede evitarla.

ParaNorman tiene la esencia de Studio Ghibli, pero más que nada me recordó a X-Men: la lucha de alguien diferente por encajar en un mundo donde no se acepta lo que es diferente. Donde siempre se busca la comodidad de lo conocido. La película es una odisea de autodescubrimiento, de aceptación, la jornada del héroe y tal, pero también es un viaje por referencias y gags endemoniadamente geniales sobre la cultura de los zombies cinematográficos. En cierto momento, producto de la antigua maldición, los muertos se levantan de sus tumbas. Ajá, el xodido Apocalipsis Zombie. Pero no es nada sangriento, violento o gore. Más adelante nos enteramos de la verdadera naturaleza de los zombies y es entonces cuando apreciamos el delicioso contraste de éstos con la gente del pueblo, quienes se comportan como una muchedumbre violenta que solo piensa en destruir y matar. Dejándose llevar por el momento, cual tuiteros con un trending toppic de odio pegajoso inmersos en el reutiteo indiscriminado. No piensan, están en la manada, sedientos de sangre. Ajá, como zombies. La muchedumbre se revela como el mayor impedimento para que Norman y su raro séquito puedan cumplir con su misión de parar la maldición: porque esta es real y la bruja responsables es un personaje increíble que me recordó a Akira, cuyas 3000 páginas de manga se pueden resumir perfectamente en el concepto de un muchacho resentido que de pronto se da cuenta de que tiene el poder de convertir tanques en chatarra.

Ya para entonces ya era fan. Y el final no decepciona en absoluto. ParaNorman se erige entonces como la mejor y más divertida película de animación del verano, que merece visitas posteriores para admirar con más detenimiento los bellos escenarios construidos a mano y animados cuadro por cuadro (lo que le llaman el stop-motion, mi lic) y apreciar mejor las referencias y volver a reír con los gags. Y es que la escena del Ayuntamiento es sencillamente magistral. Y es que así somos y así siempre hemos sido. Y es que ser un freak esta cabrón, pero también te hace fuerte. A fuerza de madrazos, per lo hace.

ParaNorman es una película grandiosa que en cada escena revela un amor y una pasión por el trabajo que casi desborda la pantalla. Definitivamente recomendable.

Brave

Brave

Pixar, como es usual, nos ofrece historias antiguas en un nuevo empaque. Retazos de los mitos inmortales y las leyenda que… bueh, más que nada preceptos universales y elementos omnipresentes en los grandes relatos del mundo. Esta vez la historia tiene lugar en Bretaña y los elementos presentes tienen mucho de las historias y la nostalgia de los viejos Reyes de los Mares del Norte. Quizá los directores y demás pensaron que estarían muy de moda en el verano; claro que no contaban con que el buen Danny Boyle ignorara dichos elementos durante la ceremonia de apertura de Londres 2012. Pero de eso ya hemos hablado.

Como sea, Brave y su heroína Mérida tiene mucho del sabor de Bretaña en sí: el amor por el bosque, la caza, los ríos. Y, claro, el mar. Hay muchos detalles geniales con respecto a la construcción de la historia, que es un drama que al final no resulta ser tan dramático. Mérida quiere ser libre y en una metida de pata, con tal de evitar un futuro ya planeado, se relaciona con una bruja y termina convirtiendo a su madre en oso (un animal por demás simbólico para su familia). Así inicia su propia cruzada, su propio viaje de autodescubrimiento. O algo.

Brave es la película de Pixar que más intenta parecerse a Studio Ghibli, lo cual no es malo por sí, pero que es una falla cuando el resultado final resulta ser demasiado light para tal pretensión. Sí, lo de la madre convertida en oso es grave. Sí, detrás del matrimonio arreglado hay elementos de casi peligro para el reino. Sí, la bruja es graciosa y los chamacos pelirrojos son cagados. Pero nunca hay un peligro real. Nunca hay una verdadera amenaza o un antagonista. Nunca hay un momento que nos haga un nudo en la garganta o un verdadero descubrimiento, como en Spirited Away, La Princesa Mononoke o Up. Uno de los elementos omnipresentes en las películas del legendario estudio de animación japonés es poner a niños y adolescentes en situaciones complejas, peligrosas, que casi los rebasan, y de donde solo pueden salir creciendo. Aquí no hay un crecimiento perceptible. El problemón entre la madre y la hija es casi de una comedia de pubertos. Como aquella película de Lindsay Lohan y Jamie Lee Curtis. Sí, esa.

Quizá esa era la idea, pero el resultado es por demás banal. Le queda grande la estupenda animación y el gran soundtrack. Brave no es la peor película de Pixar, pero está muy lejos de las mejores, como The Incredibles, Monsters Inc. Y Ratatouille. Quizá el estudio está en una especie de crisis creativa o quizá ya decidieron tomar esta clase de curso. Como sea, yo esperaba mucho más.

Si no la han visto en el cine, les conviene mejor esperarse al rayo azul. Ahí, al menos, escucharán las voces originales.

Revistas de Blade Runner: “Kill Weekly”

Kill

Breaking News: México a la final del futbol varonil en los Juegos Olímpicos de Londres. El Tri (que pendejada) le ganó a Japón. Se espera a Brasil o a Corea del Sur para la Final del sábado por la tarde (mañana en México) en Wembley.

En más información, hoy hubo escándalo en la última jornada de la gimnasia artística, un par de rusas ganaron el oro en nado sincronizado (y festejaron cenando sincronizadas) y el equipo ruso femenil de voley bol comprobó el viejo adagio futbolero de "el que perdona, pierde". Siete veces tuvieron al equipo brasileño en match point, pero no pudieron rematar y las cariocas avanzaron a semifinales. Van contra Japón, by the way.

Ya estan bien informados. Se respira alegria en el aire. Y los compañeros que salieron a desayunar, me parece que ya no regresan. O algo.

Por cierto, la imagen de la revista es sencillamente genial. Mi favorita de la colección.