Filed under: read

The Tree of Life

Tree-of-life-movie-image-brad-

The Tree of Life es una película de gran ambición y humildad, tratando (nada más y nada menos) de abarcar toda la existencia y verla a través del prisma de unas vidas infinitesimales. La única película que he visto con esta audacia de visión es de 2001: Una odisea del espacio, y hasta esa carecía de la evocación intensa de Malick, de los sentimientos humanos. Hubo una vez varios directores que anhelaba hacer (nada más y nada menos menos) una obra maestra, pero ahora hay sólo unos pocos. Terrence Malick se ha mantenido fiel a esa esperanza desde su primer largometraje en 1973.

De manera extraña, los acontecimientos centrales de The Tree of Life reflejan un momento y lugar en la vida de varias personas que ahora rondan por sus 50 o 60 (ajá, esos Baby Boomers). Esta es la película autobiográficade todos ellos, aderezada con el don de Malick. Sus escenas retratan una infancia en un pueblo de la región central de América, donde la vida fluye dentro y fuera a través de las ventanas abiertas. Hay un padre que mantiene la disciplina y una madre que emana el perdón y hay largos días de verano, de juego y de ocio y de urgentes preguntas (no dichas) sobre el significado de las cosas.

Los tres muchachos de la familia O'Brien están dorados por el sol, desgastados por el juego, perturbados por visiones de los secretos de los adultos, llenos de una gran urgencia de crecer y descubrir quiénes son.

La película evoca la memoria a través de cada cuadro: todo sobre el ancho césped. Acerca de una ciudad que de alguna manera, en la memoria, siempre es visto con una lente de gran angular. Acerca de las casas que no están cerradas. Acerca de las madres mirando por las ventanas para ver a sus hijos. Sobre el calor del verano y el hastío de los servicios de la iglesia y el teatro imprevisible de la mesa y los sonidos inquietantes de una discusión entre los padres escuchada a medias a través de una ventana abierta.

 

Al ver la película, me acordé del recuerdo favorito de Ray Bradbury: un niño que se despierte con el sonido de una Green Machine fuera de su ventana -una mano empujando la cortadora de césped. Quizá muchos de ustedes crecieron en una gran ciudad, con las puertas cerradas y siempre con el ruido del aire acondicionado. No importa. Yo al menos crecí en los suburbios de patios grandes, y esa casa aún ahora (con su patio grande y sus plantas; diablos, me siento como un anciano) tiene todavía algo de la misma infancia, ya que está protegida por la inocencia y la ingenuidad.

Un detalle increíble de la película: los padres de la familia se llaman Señor O'Brien y Señora O'Brien. Sí. Debido a que los padres de otros niños nunca fueron conocidos por sus nombres de pila; y los nombres de los propios padres fueron palabras utilizadas sólo por los demás adultos. Los padres fueron padre y madre y eso define su realidad y su apertura a las emociones. Y el joven Jack O'Brien está creciendo y algún día se convertirá en el señor O'Brien, pero nunca se verá a sí mismo tan real su padre se veía.

Es raro que una película parezca más evidente la colaboración que el amor entre un director y su diseñador de producción, en este caso, Jack Fisk. Fisk nació y se crió en el sur de Illinois y, por supuesto, sabe que en los años 40 los vasos grandes de aluminio se utilizan para hacer limonada y té helado. Él utiliza otros detalles también pero su diseño encaja perfectamente en la vida de sus personajes. Lo que me extraña es que Malick crea a los padres O'Brien y sus tres hijos sin un argumento obvio: la película captura el planificado despliegue de los días de verano y se escuchan las palabras de la gente casi hablando para sí mismos.

La película es el retrato de la vida cotidiana, inspirado por los recuerdos de Malick de su ciudad natal: Waco, Texas; y está limitada por dos inmensidades: 1) espacio y tiempo, y 2) la espiritualidad. The Tree of Life tiene deslumbrantes gráficos que sugieren el nacimiento y la expansión del universo, la aparición de la vida a nivel microscópico y la evolución de las especies. Este proceso nos lleva al momento presente y a nosotros. Hemos sido creados en el Big Bang y a través de incontables millones de años las moléculas se organizaron en, bueh, tú y yo.

¿Y qué viene después? En palabras susurradas cerca del comienzo, la "naturaleza" y la "gracia" se escuchan. Hemos visto ya que la naturaleza da y quita: uno de los chicos de la familia muere. También vemos cómo funcionan las cosas con el paso del tiempo: Jack O'Brien (Hunter McCracken) se convierte en un hombre de mediana edad (Sean Penn). ¿Y entonces qué? La película ofrece la visión de una vida futura, un paisaje desolado en el que la gente camina solemnemente para reconocer y saludarse unos a otros. Y todo se entiende en la plenitud de los tiempos.

Algunas críticas han dicho que el Sr. O'Brien (Brad Pitt) es demasiado estricto al mantener la disciplina. No lo creo. Él está haciendo lo que él cree que es correcto, ya que así fue criado. La Sra. O'Brien (Jessica Chastain) es más suave y más comprensiva, pero no hay indicios de que ella sienta que su marido es cruel. Por supuesto que los niños resienten la disciplina y por supuesto que un niño a veces podía ser golpeado en la mesa durante los ya muy lejanos años 50´s del siglo pasado. Pero hay que escuchar el cambio agudo de diálogo entre Jack y su padre. "I was a little hard on you sometimes," dice el Sr. O'Brien, y Jack responde: "It's your house. You can do what you want to." Jack tiene la defensa de su padre contra sí mismo. Así es como se crece. Y todo sucede en este abrir y cerrar de ojos que es toda la vida, rodeada de los reinos del tiempo y el espacio inimaginable.

Jules et Jim (1962)

Julesejim_1962_img4

Jules et Jim se abre con música del carrusel y una narración sin aliento que nos habla de dos jóvenes - un francés y un austríaco - que se reúnen en París en 1912 y se convierten en amigos de por vida: “se enseñaron mutuamente su idioma, tradujeron poesía. "

Jules, el austriaco, quiere a una chica, pero sus citas son muy silenciosas o muy habladoras o defectuosas del todo, y aunque se trata de un profesional, no tiene la respuesta, ninguna de hecho: Truffaut lo explica todo con una toma de su tobillo rodeado con un reloj de pulsera. Esta secuencia de apertura mágica me recuerda a El cuarto mandamiento de Orson Welles, que también se precipita a través de los primeros años de vida de sus personajes, dando a entender que la verdadera historia aún está por llegar. El héroe de Welles finalmente consigue su "merecido", y los héroes de Truffaut también, pero nunca recuperan la irresponsable alegría que sienten al principio.

La película fue lanzada en 1962, en el momento de la explosión creativa de Godard, Chabrol, Rohmer, Resnais, Malle y los otros directores New Wave, y fue la tercera película de Truffaut (después de Los 400 golpes en 1959 y Disparen sobre el Pianista en 1960). Junto con la opus magna de Godard: À bout de souffle (basada en una historia de Truffaut), Jules et Jim fue quizás la más influyente y la mejor de las primeras películas sorprendentes que rompieron de esa forma con el pasado. Hay alegría en ese cine, tanta que incluso hoy se siente fresco y audaz a la vez. En la energía de pulso de la pantalla se puede ver el estilo y la sensibilidad que inspiró Bonnie and Clyde (1967), una película en la que el nombre de Truffaut fue barajeado para dirigir, y que sacudió a las películas estadounidenses de su letargo. Y usted podría ver en los 60`s, de haber nacido ahí claro, que Jules y Jim y su gran amor, Catherine, eran hijos de las flores -por un tiempo. La década de 1960 terminó tristemente, al igual que Bonnie and Clyde, al igual que Jules et Jim.

La leyenda dice que Truffaut encontró la novela original, de Henri-Pierre Roche (1879-1959), en un cubo de descuentos frente a una tienda de libros usados ​​en 1955. Roche escribió Jules et Jim en la vejez, pero la historia se siente escrito por un joven - y en cierto modo lo era, ya que describe un triángulo amoroso realmente experimentado. La original Catherine estaba todavía viva cuando se estrenó la película. Su verdadero nombre era Helen Hessel, quién se convirtió en una poeta y (según Daria Galateria, que escribe en Bright Lights Film Journal) asistió a la premiere de incógnito y confesó: "Yo soy la chica que saltó en el Sena por despecho, que se casó con el querido y generoso Jules y que, sí, le disparó a Jim. "

Jim (Henri Serre) no recibe un disparo en Jules et Jim, aunque Catherine (Jeanne Moreau) es la onda con una pistola apuntándolo; Truffaut tiene un final triste en la mente, y no hay tal patetismo como en las últimas palabras de Catherine: "nos miran, Jim! " Pero eso es al final de la película, que comienza en la alegría desenfadada, que sigue con el romance y la pasión, y luego vuelve a sonar después de la Primera Guerra Mundial como si la guerra, después de haber roto el espíritu de Europa, rompió el de ellos también.

Jules (Oskar Werner) y Jim han nacido para ser amigos, y los hombres jóvenes en París llevan una vida de encanto y de libertad. Después de renunciar a ser profesionales, Jules cree que ha encontrado a su chica ideal en Teresa (Marie Dubois), vista por primera vez pintando una consigna anarquista en una pared para luego ser golpeada por su novio "porque la gente va a pensar que los anarquistas no sabe escribir." Teresa es la chica que crea el momento de la famosa "máquina de vapor", haciendo estallar el extremo encendido de un cigarrillo en su boca y echando humo por el otro extremo. Cuando Jules descubre que no es, después de todo, su pareja perfecta, su explicación a Jim es una obra maestra: "Ella era la madre y la hija para mí."

Los amigos asisten a una presentación de diapositivas de distintas esculturas y son golpeados por la misma imagen: el busto de una chica que es hermosa y, sin embargo, opaca. Allí y entonces deciden viajar hasta el mar Adriático para ver la estatua original. Y lo hacen. Y poco después de su regreso conocen a Catherine, cuyo rostro se ve exactamente como el de la estatua. Jules siente que todo ha cambiado. Los amigos han cambiado y algunas veces compartieron a sus novias "pero no ésta, Jim. OK?" Jim está de acuerdo. Van juntos a todas partes. Una famosa foto los muestra en una casa alquilada en la playa, hablando mientras se asoman a sus ventanas separadas. Una noche, cuando vienen de una obra de Strindberg que a los hombres no les ha gustado, Catherine admira la libertad de la heroína e ilustra que de repente salta al Sena. Aquí el narrador es indispensable, porque de lo contrario ¿cómo podríamos saber que "su salto sacude a Jim como un rayo"?

Así que ambos están enamorados de ella, pero Jules la lleva a Austria para casarse y después la guerra los separa. Como miembros de ejércitos enemigos, el miedo de los amigos es que se podrían disparar entre ellos sin saberlo. Después de la guerra, Jim visita a Jules y Catherine en su casa de campo en la Reine. Tienen una hija, Sabine, pero su matrimonio es infeliz. Jules confiesa que Catherine se ha escapado y ha tenido aventuras, pero él lo aguanta y se queda con ella porque la ama y entiende su naturaleza. Una noche en la cena ella misma revela su profunda miseria al recitar los nombres de innumerables vinos franceses. Los amigos se lanzan una mirada inquieta. Jules haría cualquier cosa para hacerla feliz -incluso compartir la  con Jim. "Si la amas", Jules le dice: "no pienses en mí como un obstáculo." Catherine le pide a Jim que se mude a la casa. "Cuidado Jim, cuidado por ambos", dice Jules. Se pregunta si tal vez lo mejor sería el divorcio, así Jim podría casarse con ella. Él cree que su amistad puede sobrevivir a eso.

Su tragedia es que compartían una mágica juventud y que la edad adulta no lo sería y no pueden darle cabida. No hay arreglo práctico de la vida, no pueden duplicar la libertad de sus primeros días en París. Los hombres pueden tratar de llegar a un acuerdo sobre esto, pero Catherine no puede, y Jules et Jim es en realidad la película de Catherine. Esta es la primera gran actuación de Jeanne Moreau, por el arte con el que presenta el descontento de Catherine. Una actriz menor podría haber hecho una Catherine loca o histérica, pero a pesar de la locura y la histeria que se desarrolla bajo la superficie, Catherine depende principalmente de la incertidumbre - una falta de voluntad fundamental para que se comporte como se espera. Ella enfrenta a sus amigos como una forma de ponerlos a prueba.

La cámara de Truffaut es ágil, su movimiento es tan fluido que tenemos la sensación de un desafío a la gramática tradicional de Hollywood del plano general, del primer plano, reaction shot y así sucesivamente. Jules et Jim nos llena con impaciencia de las cepas de un estilo de mano. El narrador también apresura las cosas, nos dice lo que no hay tiempo para enseñarnos. El uso de un narrador se convirtió en una de las técnicas favoritas de Truffaut, una manera de señalar que la historia nos ha pasado y su final es conocido antes de que comience. Su uso breve, casi imperceptible, de marcos congelados le da a algunos momentos el tratamiento de fotografías instantáneas, que también pertenecen al pasado.

El misterio (algunos dirían que es el defecto) de la película es cómo se mueve tan rápidamente a través de estas vidas. Quizás el secreto está en la naturaleza de la memoria de un hombre viejo, tal como lo entiende Truffaut (que tenía 29 años durante el rodaje). Henri-Pierre Roche vivido a través de eventos como los de la película, fue uno de los personajes, todas las etapas de la historia son de él, y él las recordaba con tanta frecuencia y tan bien detalladas que en sus momentos clave de novelista su imaginación puso el relieve, mientras que los pasajes de en medio se habían desvanecido.

Jules et Jim es una de esas películas raras que saben que el público puede pensar rápido y que las emociones contienen sus propias explicaciones. Se trata de tres personas que no podían aceptar que su momento de felicidad perfecta había terminado y la persiguen en lugares oscuros y tristes. Galateria cita a Truffaut: "Empiezo una película creyendo que va a ser divertida y en el camino me doy cuenta de que sólo la tristeza la puede salvar."

Mission: Impossible - Ghost Protocol

Mission-impossible-ghost-proto

"Mission: Impossible - Ghost Protocol" es un thriller fantástico con secuencias de acción que funcionan como una especie de poesía de acción. Lo mejor que se ha visto de Tom Cruise: colgado más en las ventanas de vidrio de la Burj Dubai en Dubai, el edificio más alto del mundo. Ha sido equipado con guantes que se pegan cuando se estrella contra una superficie y lo liberan cuando se enroscan hacia atrás.

Tricky solft suficiente en el concepto de paz. Sin embargo, se ha afirmado que Cruise "insistió en hacer su propio acrobacias." ¿Qué dijo? ¿El personaje de Ethan Hunt es visto como una mosca humana aferrarse al vidrio, a miles de metros en el aire, y me están diciendo que no estamos usando CGI? Si ese es realmente Tom Cruise, parece un caso adecuado para el tratamiento.

Si es o no, la secuencia es uno de los tramos más pintorescos en una película de ese tipo que he visto. En la forma en que está establecida, fotografiada y editada, siempre y cuando yo y mi fascinación por el vértigo estén conformes. La película cuenta con otras piezas para logran un conjunto sumamente parejo. Se abre con la fuga de Ethan Hunt de una prisión rusa. Hay una escena de lucha asombrosa dentro de un garaje de estacionamiento de la era espacial en plataformas móviles de acero que suben y bajan los coches, y los combatientes tienen que saltar de un nivel a otro. Hay una escena inteligente en las bóvedas de los archivos del Kremlin en el que se utiliza una ilusión de realidad virtual para engañar a un guardia. Y una escena en una fiesta de lujo en Mumbai, en la que la estrella india Anil Kapoor cree que está seduciendo a MI, el miembro del equipo Jane (Paula Patton) en una técnica elaborada de coreografía divertida.

Ethan y Jane están unidos por la misión y son compañeros de Brandt (Jeremy Renner) y Benji (Simon Pegg), intentando frustrar a un loco llamado Hendricks (Michael Nyqvist), que ha ganado el control de un satélite ruso y la posesión de códigos nucleares, y quiere iniciar una guerra nuclear. Su razón, tanto como yo lo entiendo, es que la vida en la Tierra tiene que ser aniquilada de vez en cuando para que pueda empezar de nuevo, y Hendricks no tiene la paciencia de esperar a que un gran asteroide venga a hacer el trabajo.

La película se beneficia enormemente de las actuaciones bien definidas del equipo de la Misión. Cruise, herido por la muerte de su esposa (recordar la anterior muvie, plis), Interpreta a un hombre simpático de, digamos, el valor infinito. Simon Pegg, con su cara de lechuza y petulancia, es gracioso como Benji, el genio de la informática, uno de esos jugadores que pueden entrar en el Burj Dubai con un ordenador portátil y de inmediato tomar el control de sus ascensores y cámaras de seguridad. Paula Patton es una atractiva Jane, que combina la sensualidad dulce con técnicas de lucha feroz mano a mano. Y el Brandt, a cargo de Jeremy Renner, se describe como un "analista" a quién el secretario del Fondo Monetario Internacional (Tom Wilkinson), reveló un gran número de habilidades extra-analíticas.

Brandt y Benji tienen una escena que llega a un nuevo nivel de acción tonta aunque sea para una película de "Mission: Impossible". La misión de Brandt, y Ethan deja en claro que tiene que aceptarla, es usar ropa interior de malla de acero y saltar en un eje de ventilación con las malvadas aspas del ventilador cerca de su parte inferior. Benji detendrá su caída con un pequeño imán móvil en el fondo del pozo, con lo que Brandt tienen la oportunidad de entrar en el sistema. Renner tiene un trabajo especialmente agradable, tratando de parecer muy asustado cuando lo hace.

La película tiene un director inesperado, aunque largo tiempo esperado: Brad Bird, el fabricante de grandes películas de animación como "El Gigante de Hierro", "Los Increíbles" y "Ratatouille". Y para acallar las críticas, los fans del tipo solamente decimos: Bueno, ¿por qué no? Su animación se especializa en la acción, y sus películas son aptas para la caracterización fuerte. Se podría pensar que había estado haciendo películas de suspenso durante años.

Ahora quiero volver a Tom Cruise, quien se aferra al lado izquierdo del Burj Dubai, supuestamente haciendo sus propias acrobacias. No estoy diciendo que no lo hizo. No hay duda de la existencia de varias redes invisibles y los cables también se utilizaron, y por lo menos algo de CGI. Como sea.

Recuerdo una historia de Clint Eastwood sobre su participación en "Licencia para matar" (1975). Hay una escena en la película donde el personaje de Clint cuelga en el aire en el extremo de un cable que cuelga de una montaña. A miles de metros de altura. Clint, que también dirigió la cinta, hizo la escena él mismo.

"Yo no quería usar un doble", dijo, "porque quería usar un teleobjetivo y zoom lentamente hasta llegar a la cara -. Así que se podía ver que era realmente yo”. Después de terminar la película, el buen Clint se puso un disfraz y se metió en un preestreno de la película para ver la reacción del público. “Cuando yo estaba colgando allí en el aire, la mujer delante de mí preguntó a su amiga: 'Vaya, me pregunto cómo se hizo eso? " y su amiga le dijo, "efectos especiales".

Nota: Debo añadir que vi la película en formato IMAX. Wow. La escena del rascacielos tuvo un impacto increíble.

Brees: 5087

Bressus

Tuvieron que pasar 27 años para que la legendaria marca de más yardas por tierra en una sola temporada -5084-, impuesta por Dan Marino en 1984, cayera. Y cayó, sí, en un Lunes por la Noche.


Pasaron 27 años para que alguien pudiera superar el record. 27 laaargos años en los que llegaron QB sumamente exitosos y explosivos a la NFL, caso de Peyton Manning, Tom Brady, Brett Favre, Vince Young y muchos otros cuyo nombre queda un tanto eclipsado por los Colosos. Pero ninguno de ellos había llegado a la marca, que cada año se antojaba a punto de caer, pero a la vez más lejana que nunca. Tuvo que ser un texano, egresado de la Universidad de Purdue (¿?), selección de segunda ronda en el draft del 2001 por los Cargadores de San Diego, quienes tiempo después lo cortarían por culpa de una lesión que al parecer nunca iba a sanar, tomado por los Santos de Nueva Orleans, equipo que durante mucho tiempo había sido el hazmerreir de la Liga pero que ahora es toda una potencia.


Drew “Lom” Brees entró en el recinto de los Inmortales la noche de anoche, durante la paliza que los Saints le propinaron a Atlanta por 45 – 16. Sin embargo, más que el resultado en general, era la idea de ver caer 27 años de historia lo que tenía abarrotado el Superdomo y pegados a las pantallas a los aficionados. Brees-us necesitaba alrededor de 310 yardas para romper el record y la primera mitad del juego parecía pronosticar eso: el 9 de Nueva Orleans estaba jugando a tope, pese a las dos intercepciones que sufrió, estaba lanzando para más de 250 yardas, con tres pases de anotación. Sin embargo, el ritmo bajó de intensidad en la segunda parte, al grado de que llegó al 4 cuarto necesitando solamente 30 yardas, pero durante dos series ofensivas no logró ninguna. Parecía que tendríamos que esperar otra semana para ver caer la marca de Marino, pero en la última serie ofensiva, Brees, como nos tiene acostumbrados, con pases certeros, guió una ofensiva aérea impecable que culminó con un pase a las diagonales atrapado por Darren Sproles (un tipo que también fue cortado por San Diego) lo que rompió la marca. Brees había llegado a las 5087 y el público explotó y el carnaval invadió por un momento a esa ciudad en la que parece que nunca se acaba la fiesta y el público coreaba a gritos el nombre de su héroe: la misma gente que hasta hace poco estaba acostumbrada a perder, ahora estaba llena de orgullo.


Lo demás es lo de menos. La semana 16 terminó y ya solo nos resta una de temporada regular. La mayoría de los boletos ya están tomados y se espera una despiadada lucha la semana entrante para llevarse los que faltan. Y sí, la marca de Marino cayó a falta de un juego, lo que resta es solamente esperar qué tan alta deja la vara el 9 de negro y dorado. Y la magia del momento se irá eclipsando un poco por las emociones por venir, pero no le restarán mérito a lo que hizo Drew Brees y que tuvimos el privilegio de ver. Ahora solo resta ver cuánto dura su marca. En una de esas y tienen que pasar otros 27 años para volver a ser testigos presenciales de la historia.


Que chingón es el futbol.

The Adventures of Tintin

The_adventures_of_tintin-the_s

Sospecho que para hacer "Las aventuras de Tintín," Steven Spielberg tuvo que volver a mirar en el interior de ese lugar que alimentó su "Raiders of the Lost Ark". Una vez más tenemos a un intrépido héroe envuelto en una serie ininterrumpida de aventuras que tienen lugar en parajes exóticos, con villanos grandiosos, aviones, trenes, automóviles, motocicletas, helicópteros y barcos en el mar. Evoca caricaturas sábado por la mañana que la mayor parte de la audiencia nunca ha visto.

El querido personaje... Este Tintín (voz de Jamie Bell en la película) es un personaje sensacional. Él es un periodista que rara vez parece ir a la oficina, por lo general puede encontrar su historia en la calle y sigue la pista de sus historias hasta que se resuelven, amparado por una cuenta de gastos inimaginables, siempre acompañado por su perro dotado, Snowy. Dos torpes inspectores de Interpol llamados Thompson y Thomson (Simon Pegg y Nick Frost) están a menudo en los mismos casos. Un borracho empapado de mar antiguo llamado el capitán Haddock (Andy Serkis) se encuentra a menudo cerca. Tintín se ve como un pre-púber, pero se le trata por todos como a una especie de persona mayor  (un título que tiene un poco de honorario). Su pelo rubio le forma un flequillo en la frente.

Yo conocí al personaje en mi infancia -¿podemos retroceder?, en una compilación elegantemente encuadernada en piel. Las aventuras de Tintín rezaba en el libro de longitud media, lleno de páginas que trataban de reproducir la vida antigua. Inmediatamente me sentí atraído por el artista belga Hergé, quién con una claridad elegante (la "línea limpia" de aproximación), reproducía los casos, a veces policiacos, a veces de exploración exótica, del curioso chico rubio. Cuando dijeron que Spielberg haría la película con tecnología de captura de movimiento, en realidad temía un poco. Para mí, Tintin vivía en un mundo perfecto de 2-D que no me parecía pudiera adaptarse a lo que se proponía. Pero mis preocupaciones se volvieron agua en escena de la película. Al final todo salió bien. Tintín parecía humano, si, pero el diseño es muy eficiente. Su rostro, tal como lo describe un testigo ocular de un dibujante de la policía, se produce un dibujo de Tintín. Los otros personajes se permiten más detalle, en Thomson y Thompson, por ejemplo, se dan las narices que harían a WC Campos llorar de envidia.

La técnica de la película es obra de Spielberg y un equipo de artistas y animadores que no han copiado el aspecto literal de las tiras de Tintín, su esencia se deja sentir en cada cuadro. Al más tradicional enfoque 2-D , que parece elaborada por una serie de televisión, que se puede ver en YouTube; me gusta, pero Spielberg es más ambicioso y sus personajes parecen más creíbles en la medida en que cualquiera creado por Hergé es real. La película se lanza a través de peligrosas aventuras, con la participación de grave peligro por los explosivos y así sucesivamente. El quid de la persecución es el de encontrar un tesoro perdido con antiguas conexiones con la familia del capitán Haddock.

La historia, como pueden adivinar, no tiene muchas sorpresas. Spielberg imita muy de cerca a una película de acción tradicional. Hay disparos en los cómics de Hergé, pero la cantidad que hay aquí distrae la atención. Hergé dedicó más tiempo al color local, las excentricidades de carácter explosivo y el diálogo, que aquí parecen casi ausentes. No sé ustedes, pero yo extrañe y mucho las referencias Haddockisms, como "Tonnerre de Brest!" y "Mille sabords!" ("Thunder of Brest!" y "A thousand portholes!"). Pero en fin.


"Las aventuras de Tintín" es una travesura animada ambiciosa, mucho más inteligente que su película promedio en 3-D para esta temporada. Como casi siempre, no hay pierde con Spielberg (que recibió la bendición de Hergé antes de su muerte en 1983). Le doy 875 ojos de buey.

13 Assassins (13アサシン)

Photo_07

Jûsan-nin no shikaku tiene todos los cuadros de acción que necesita una película, un villano que trasciende el mal y se eleva a una posición privilegiada desde la que practica impunemente una locura barbarie. En contra de esta criatura y su propio y personal ejercito, una banda de samuráis se reúne para poner fin a su terror. Su heroísmo a prueba de balas es el último brillo del código samurái: la película está ambientada en 1884, hacia el final del periodo Edo, cuando los verdaderos guerreros samurái se fueron haciendo cada vez más raros.

La película es tremendamente divertida; una épica de gran presupuesto dirigida con maestría visual y sonora, sacada a flote por el no tan cándido  Takashi Miike. Los últimos 45 minutos del filme se dedican por completo a una batalla monumental, inventiva e ingeniosa; para nada el tipo de caos incomprensible que a menudo encontramos en los momentos climáticos de una película de acción. Es una auténtica lección para los queasy-cam auteurs, ya que Miike construye la acción como una coreografía en la que todo es comprensible - y, lo más importante, ha pasado los dos actos anteriores construyendo a los personajes que aquí encuentran su conclusión. Sabemos quiénes son los 13 samuráis y entendemos por qué muchos de ellos se comportan como lo hacen bajo la amenaza de la muerte. El cuidado del guión y la calidad indiscutible de cada toma resisten la más férrea comparación con la Shichinin no Samurai de Kurosawa, saliendo bien librados. Y esto, señores, son palabras mayores.

La película abre con una sencillez cruda y sangrienta: un hombre se arrodilla en un patio y se destripa a sí mismo en señal de protesta contra el Señor Naritsugu (Gorô Inagaki), el medio hermano del shogun. Este seppuku fue inspirado por la crueldad de Naritsugu, que se nos va mostrando paulatinamente con detalles atroces: gusta de practicar la amputación en sus víctimas, patea cabezas cercenadas a través de habitaciones y ejerce el derecho de violación para con las personas de un estatus inferior. Él villano no es ninguna caricatura retorcida, sino más bien un narcisista recalcitrante para quién el shogun tiene planeado un futuro de más poder.

A fin de erradicar este mal de la tierra, Sir Doi (Mikijiro Hira) busca al samurái Shimada (Kôji Yakusho), a quién vemos por primera vez pescando tranquilamente sobre una escalera en el mar, pero con la espada a la mano, siempre. Shimada, comprometido con la misión, se encarga de buscar una docena de guerreros para unirse a él; este proceso nos es familiar a partir de un sinnúmero de otras películas. Cada uno de los reclutas tiene su propia historia, su personalidad y su espada; algunos se nos presentas más complejos que otros y, por supuesto, alguno de ellos debe representar cierto alivio cómico, aunque Koyata se torna más serio en el fragor de la batalla.

Las posibilidades del éxito de la empresa parecen pocas, ya que los héroes son solo 13 en contra de los 200 (por lo menos) que componen la escolta de Naritsugu. Miike nos ahorra un poco creer la fantasía romántica de los 13 buenos derrotando a los malvados 200 colocando la acción en medio de un pueblo que ha sido habilitado como una enorme trampa mortal por los samuráis. Así, más o menos en igualdad de circunstancias, se da la batalla. 

 La mística del samurái da para muchas historias y para muchos perfiles. Y, claro, para muchas películas. Las películas de samuráis tienen una historia rica, y Miike la evoca con elegancia artística: con trajes tradicionales, un diálogo idealista, caracterizaciones fuertes y una secuencia de batalla gloriosamente coreografiada. Una escena que no sustituye el movimiento de teatro o no es un pago por una hora y media de diálogos pomposos y sin sentido. En 13 Assassins los personajes involucrados se conocen y entienden, por tanto la acción cuerpo a cuerpo en general se divide perfectamente en viñetas estructuradas. Una verdadera cátedra sobre cómo se debe colocar la historia dentro de un entorno de violencia.

La película, más allá de ser una maravilla visual, tiene un subtexto sumamente rico para los que conocen y aprecian las tradiciones de los antiguos samuráis. Los 13 héroes en realidad están violando el Bushido al revelarse contra su amo; sin embargo, este pecado es justificado. Loa tiempos modernos están cambiando Japón, y el shogunato antes respetable es hoy una estructura corrupta y decadente, una colmena de nepotismo. Shimada y su compañía se rebelan contra eso, usando sus habilidades y su conciencia social, cometen un sacrilegio contra sus creencias por un bien mayor. Una empresa que no conlleva ninguna gloria para ellos a sus ojos. Una épica con toda la pinta de la tragedia y el autosacrificio. A esto se le contrapone la figura de Kitou, un samurái de antigua estirpe y con un gran respeto por la tradición. El no es menos samurái que los 13 a los que se enfrenta, siendo el guardaespaldas personal de Naritsugu, y aunque no aprueba las acciones de su amo, sabe que su deber es servirle hasta la muerte. No es un villano, más bien es un héroe tan trágico y glorioso como los "buenos".

Takashi Miike ha creado una joya. Sin duda la mejor película que he visto este año (aunque la cinta es del 2010, pero llegó hasta aquí en este año). Una lección de buen cine para los directores occidentales y un deleite para los cinéfilos no tan acostumbrados a este nivel de excelencia, pero siempre bien dispuestos a agradecerlo.

¿En qué momento dejó de ser divertida la Navidad?

Billy-bob-thornton-bad-santa-i

Bueh, tengo que admitir que algo positivo de la Navidad es que ha generado algunas buenas películas como Bad Santa. Y, claro, Die Hard.

 Alguna vez me gustó la Navidad, alguna vez me ilusionó y me llenó de felicidad, alguna vez las mañanas de 25 de diciembre fueron sorprendentes y mágicas y flamboyantes, alguna vez me prendió la idea de sentarme en la cocina a ver a mi abuela haciendo buñuelos, alguna vez pasé una cena con pavo y romeritos y bacalao y con un frio del caraxo afuera (y la pasé bomba), alguna vez me moría de las ganas por hacer un muñeco de nieve y ponerlo en el cofre del auto de mis padres, alguna vez ir a ver el hiperárbol de Navidad de Plaza Universidad fue la onda, alguna vez abrir regalos y darlos con una sonrisa fue especial, alguna vez me enloqueció la idea de recibir regalos el 25 de diciembre (Navidad) y luego el 6 de enero (día de Reyes, yeah). ¿Pero cuándo, cómo, a dónde se fue el espíritu navideño? Supongo que habrá temas que tenga que abordar con mi shrink, traumas de la infancia que un veinteañero como yo se sorprende de recordar en el diván (como aquella tipa de Gremlins a la que, cuando le preguntan por qué odia la Navidad, cuenta la anécdota de que, de niña, se quedó esperando a que su papá llegara, pero nunca lo hizo. Lo que pasó, y esto es creepy –incluso para Gremlins–, fue que el tipo se disfrazó de Santa Clos y se quiso meter por la chimenea para dar el sorpresón, cuando la única sorpresa que dio fue que se atoró y se asfixió y encontraron el cadáver maloliente varios días después… bueh, yo no tengo historias de esas. Por suerte). Pero no es eso, no, no puede ser sólo eso: la Navidad apesta por el tráfico insoportable, porque para llegar a un lugar al que normalmente manejarías 15 minutos, en esta época te lleva una hora; por las colas en los supermercados (me refiero a las filas), las tiendas departamentales y el estrés de la gente, cuyo espíritu navideño sale a relucir cuando te avientan el auto y se pelean a golpes en los Juguetiramas; por el desenfrenado consumismo (y miren que no soy precisamente un pensador de izquierda) que provoca el caos de las deudas impagables en enero, la saturación de tarjetas de crédito y que los aguinaldos duren diecisiete segundos. Odio los intercambios de regalos, sobre todo los de oficina, cuando tienes que poner tu cara de idiota y darle algo a alguien que en realidad ni conoces y probablemente te caiga mal. Odio los nacimientos y poner el arbolito. Y odio quitarlos. Odio ver los camiones de la basura cargados con árboles muertos en enero, y no por nostálgico, sino porque me parece basura que podría evitarse. Odio que todo mundo se ponga sentimental y crean que, sólo porque es una celebración ‘especial’ (sean o no religiosos, en verdad eso no importa, he visto a gente muy atea perdiendo el estilo en estas fechas) tienen derecho a decirte las netas, a soltarte inesperadamente algo que aguantaron en silencio todo el año o simplemente evocar aquella hipocresía milenaria y proporcionarte un abrazo que se olvidará el 26 de diciembre o, si bien nos va, el 2 de enero. Odio envolver por mí mismo los regalos. Y odio hacer fila para que te los envuelvan. Odio las promociones, el spam físico y electrónico, el disco en el que las Pandora cantan villancicos y la ensalada de manzana que invariablemente prepara la Sra. G. para la cena. Odio (no: detesto) el fruitcake. Odio que se envíen tarjetas sentimentales y odio ponerme sentimental y terminar enviando postcards electrónicas a mis compañeros de trabajo. Odio la ‘reflexión’ forzada que todo mundo hace del año que acaba de pasar y del que viene. Alucino el pavo y la pierna de cerdo (aunque sigo amando el caldo de camarón y el bacalao, tengo que decirlo), y no soporto los romeros. Odio tener un ‘brindis’ o una fiestecita o reunioncita importante en esos días, compromisos ineludibles, sean personales o de trabajo. Odio que las posadas sean un pretexto para embarrarse a 180 km/h en el periférico y matar gente inocente de paso. Odio que siempre digo “este año no le voy a regalar nada a nadie” y siempre termino comprando cosas de último momento. Odio que la gente saque sus abrigos largos, como si estuviéramos en Nueva York, Berlín o Londres, donde en verdad sí hace frío (bueno, como solía decir una tía: "en Saltillo sí hace un frío del carajo…" pero yo vivo en el DF). Odio que las piñatas ya no se rompan como las de antes (ahora los niños pasan hasta dos y tres veces a darles de palos, y prácticamente tienen que serrucharlas para que salgan los dulces). Y si de algo estoy seguro es que la colación es la peor basura que ha surgido de toda esa pila de malas ideas que es la Navidad. Ahi lo tienen: odio la Navidad por muchas razones, pero no sé en qué momento dejó de ser divertida.

  
Sí, odio la Navidad. Pero también es la época del nostálgico y el chillón. Eso me caga, por supuesto. Hoy, por ejemplo, tuvimos la comida de fin de año en la oficina, y fue imposible no pensar un puto segundo en que este año ya se fue a la corneta. No me refiero a pensamientos de tarjetita de Hallmark. Todo mundo está pensando en lo que va a tragar el 24 y cómo y dónde se va a alcoholizar el 31. Eso también me caga. Sin embargo, hasta el más rudo le dedica dos segundos a pensar en el año que pasó. Es como una nostalgia forzada, no sé. Pero a mí también me pasa. Y eso, ya saben, es una cosa más que me caga de esta maldita época…. Y claro, una emoción que terminará engendrando un post sobre lo mejor y peor del 2011. Pero eso será la proxima semana.

  
Now listening: el disco 2 de Marie Antoinette, el más melancólico de los dos.

 

  

Amigos...

La cosa va más o menos así: durante los últimos 50 años, el esquema de la familia nuclear se ha desintegrado paulatinamente. El mundo cambió, los valores cambiaron, la moral cambió, la economía cambió (y se fue al carajo), los medios de comunicación cambiaron… la familia conformada por papá, mamá y morro es cada vez más rara. No creo que esté en vías de extinción, pero sí tiene que convivir con otros esquemas familiares que hace varias décadas habrían sido considerados aberrantes. Por ejemplo, hijos cuarentones que viven con sus padres y los mantienen. Amigos homosexuales viviendo juntos y (créanlo o no) sin mantener relaciones sexuales. Igual: amigos heterosexuales (hombre y mujer) que viven juntos pero no cogen ni nada. Solteronas y solterones con su o sus perros. Niños cuasipubertos que hacen la comida y mantienen el orden familiar porque su mamá es farmacodependiente y un total y absoluto desastre. Tíos que crían sobrinos. Abuelos que crían nietos. Papás solteros. Mamás solteras que viven con dos tías, trabajan todo el día y apenas y ven al crío. Mujeres que trabajan en grandes corporativos y hombres amos de casa. La variedad ya es espeluznante. El paradigma de la familia tradicional se fue al cuerno. Los amigos han reemplazado, en muchos sentidos, al tótem moral que representaban nuestros “mayores” en tiempos pasados. Llega la edad en que son ellos quienes escuchan, aconsejan, regañan, apoyan y hasta prestan dinero cuando la cosa está peluda. Incluso hay gente que lleva una mierda de relación con sus familiares de sangre y le debe su salud mental a sus amigos y solamente a ellos. Son los hermanos que uno se va haciendo sobre la marcha. Qué razón tenían Lennon y McCartney cuando escribieron esto hace 41 años. La verdad es que la vida sería muy jodida sin amigos.

Hoy me acordé de esta línea: “My favorite Beatle was once John. Now it’s… Paul”.

  

El Dr. Manhattan es un idiota para el amor

Manhattan-silk-spectre-2010-06

Un trío de dos. Esa es la genial idea del Dr. Manhattan para pasar un rato de intimidad con su novia. Grandísimo pendejo. Por mucho que sepa y practique en carne propia las bondades de la física cuántica, se mueva de la Tierra a Marte con la misma gracia y facilidad con la que tú te mueves de la sala de tu casa al baño, esté mamado (señoritas: Billy Crudup NO prestó el cuerpo, sólo la cara para la película de Watchmen; este dude es el doble corporal), se madree al Vietcong en cuestión de horas y presumiblemente calce grande, el Dr. Manhattan es bien pendejo para las cosas del amor. Después de cagarla en incontables ocasiones, e incapaz de sostener una relación medianamente exitosa con esta brutal jeva, el muy inútil decide huir a otra galaxia. Claro, tiene otros pretextos (las cosas de los humanos son insignificantes para un semidiós como él), pero la verdad es que nunca pudo entender a las mujeres. Y después de decir esto, me parece que no lo culpo. La sensibilidad masculina parece estar atrofiada. (Venga la orgía de entrecomillados.) Cuando la “jeva” quiere abrazo, nosotros queremos discutir “pragmáticamente” el asunto. Cuando la jeva quiere “apoyo”, nosotros estamos muy ocupados buscando “culpables”. Cuando la jeva quiere “un detalle” o “una sorpresa”, nosotros nos estamos preparando para ver el partido de las 3 de la tarde. Cuando la jeva está lista para “ese día especial”, para nosotros es otro martes o miércoles o sábado normal. Y cuando crees que tu chica es “diferente” a las demás, no le molesta lo que le molesta al resto de las hembras-cliché que pululan en el mundo y “te entiende” o “es alivianada”, inevitablemente llega el conflicto que te hace volver a la realidad (“pero hace tres meses que te avisé me dijiste que no querías ir”, “pero tú nunca habías sido celosa”, “pero habíamos quedado que nunca ibamos a tener hijos, que todos los ahorros eran para viajar”). Hombres al borde de un ataque de nervios. Hombres clueless. Odio los estereotipos, sobre todo cuando los estereotipos son tan certeros. ¿Cuántas veces un hombre le ha dicho a una mujer “no puedo leerte la mente”? Bueh, el Dr. Manhattan sí puede. Y ni así sale bien librado. No se trata de ver lo evidente. Se trata de interpretar lo poco evidente. La mujer es difícil, complicada de leer. Llega un momento en el que crees que sabes qué es lo que debes hacer, pero difícilmente le atinas. Qué dilema. Y qué problema. Qué bello problema son las jevitas.

 No estás solo, doc.

El amo de los dos mundos

Historias de héroes que cruzan el umbral hacia otro mundo, hacia el otro lado. ¿Cuál es este lado y cuál el otro? ¿Arriba o abajo? ¿Adentro o afuera? ¿El pasado o el futuro? Los héroes acuden al llamado del otro lado porque tienen que hacerlo, pero la mayoría de las veces porque no les queda de otra. Es su destino, claro. Luke Skywalker se interna en la Estrella de la Muerte y sale victorioso. Alicia viaja al subterráneo y tiene todo tipo de aventuras demenciales –que conocemos porque vivió y volvió para contarlas. Eneas baja al infierno en búsqueda de su padre, Anquises. Coraline Jones accede a una puerta secreta y es seducida por una bruja ataviada como su “madre falsa”. Marty McFly viaja en el tiempo y al volver, por sus acciones, ha cambiado su mundo. El otro lado en Inception es el teatro de los sueños. En Pedro Páramo es un pueblo habitado por fantasmas. En Matrix es una simulación hecha por computadora que engaña la mente de los hombres. En Tron los hombres entran al mundo de las computadoras. Aquellos que alguna vez hayan leído este libro han visto que las grandes religiones están cimentadas en mitos de héroes que cumplen hazañas, van al otro lado y regresan con un “don”. Jesucristo, Buda, Mahoma, Krishna: dentro de sus respectivos mitos, todos ellos pasaron por un camino de pruebas, una iniciación. Volver con el don y gracias a este don cambiar al mundo es, en esencia, la promesa religiosa. Joseph Campbell lo ha diseccionado desde una perspectiva mitológica, pero la verdad es que millones de personas creen firmemente en esto. No se trata de simples cuentos, sino de verdades establecidas para mucha gente. Así, un creyente católico no llama a Jesús “héroe”, sino Mesías, redentor, dios hijo o el cordero de Dios. A mí me interesa observar cómo estos patrones se repiten en historias de todos los tiempos y todos los lugares del mundo, y la manera en que afectan nuestra vida personal. La novela en la que estoy trabajando incluye este tema –pasar de este lado al otro lado, y volver. El amo de los dos mundos: aquel que recorrió el camino de pruebas, pasó su iniciación y regresó con un don, con un elíxir que cambiará para siempre al mundo. Los mitos pueden ser emocionantes, pero sobre todo nunca pierden su carácter didáctico: nos enseñan a vivir. Las hazañas de Héctor y Aquiles, el ciclo artúrico, las aventuras de la comunidad del Anillo son moralejas con pautas de conducta. Los mitos nos enseñan a reconocer nuestra nobleza interior y poner manos a la obra: “Put aside the ranger, become who you were born to be”, le dice Elrond a Aragorn, y el héroe entiende que ha llegado el momento de marchar hacia el entendimiento de esas fuerzas que, sin el debido entrenamiento, no puede controlar. Yin y yang: el amo de los dos mundos conoce y controla los opuestos. Lo que somos por adentro y lo que somos por afuera. The higher you fly, the deeper you go. El pasado vs el futuro. Arriba vs abajo. Este lado vs el otro.